既 2017 年的巴黎奧塞美術館特展後，今年故宮跟俄羅斯普希金博物館合作，以風景畫為主軸，展出 17~20 世紀初的法國畫家作品。展期到 2月 17日結束，想看的人把握時間看喔。
展前的小叮嚀：
- 傘具請折疊收入背包中或放置於入口處傘桶內。
- 大部分作品可拍照，但其中三幅作品是不可拍攝的，如果看到作品旁出現禁止標語與工作人員隨侍在側，就請放下拍攝器材吧。
- 展場休息區座位不多，想休息者可以給工作人員蓋手章，出外喘息一下再進場。
- 個人語音導覽內容較圖說詳細，推薦給想要更深入瞭解畫作背景的遊客。
- 拍下最喜歡的作品上傳FB並打卡，可以獲得一張明信片。
去年奧塞美術館特展是以畫家為主，今年普希金博物館特展則以「風景畫」主題來規劃展出作品。因為是按照時間安排，所以整場看下來，就像是認識風景畫的歷史。最初是襯托宗教或神話主角，接著風景主題逐漸獨立出來且貼近生活，到後來融入作者本身的感受。畫風也有明顯變化：筆觸細緻、區分很清楚的前中遠景→筆觸開始朦朧、光線描繪貼近現實→比起筆觸，更強調顏色的表現。讓喜歡風景畫的人看了大呼過癮。
很喜歡的點在於：1. 藉由淡化後景來表現神殿深度的手法；2. 整體的光線感與色調很舒服；3. 神殿柱子底部加亮暗示光線方向，但又沒有強調水面反光，讓目光由前景的人們慢慢游移，穿過水中石橋來到神殿。這幅作品就是讓人覺得廢墟也能這麼美。
這幅給我感覺就是刻很細，連樹的枝葉邊緣都很清楚，雖然重點是水車磨坊，但目光總是被樹木給吸引。現場看顏料堆積很明顯，光線很銳利。
剛看時有點朦朧的感覺，可是仔細觀看會發現前景還有些小花草。我還滿佩服畫者在相近的暗色調中還能分出景深。人物佔圖面很小一塊，衣服的逆光暗示了描繪的時刻。右上角的反光亮點很像Rusty Lake中的黑影。
我一直覺得要畫綠色調又要表現層次分明的景深很困難，可是這幅辦到了。水面微微的倒影我很喜歡。
19世紀下半葉畫家開始在城市中尋找風景主題，跟大自然風光不一樣，重點變為人的活動情景與建築物的取景。通常在城市寫生時，建築物的線條都是筆直且剛硬，但這幅背景的建築物線條像是由短線組成，看起來很輕柔，有點下雨後朦朧的感覺，也襯托了前中景的人物。左下的女士看起來裙擺搖曳生姿，右中的馬車則似乎讓人聽到馬蹄敲擊地面的聲音。
超大幅作品，很有身歷其境的感覺。低彩度色調看起來很舒服，是淺灰調與粉橘、藍灰色的結合。那些煙霧我還以為是顏料被刮掉，仔細看才發現是用顏料蓋過去，很有立體感(?)，彷彿會飄到畫框外。想想若是真實反映當時巴黎景象，煙霧也太濃了，這是空污啊空污。
畫者用很簡單的色塊呈現出巴黎冬天的景象。明明是灰色調卻給人溫暖的感覺。直衝天際的黑煙很吸引人目光，燒煤炭產生的煙？那個時候的巴黎空氣品質應該是紫爆狀態吧。
其實在觀看途中，除了瞭解 19世紀~ 20世紀巴黎的狀況，另一個讓我印象深刻的就是莫內在繪畫上的認真度。他可以為了研究光線，從早上到晚上用相同主體、構圖、作畫位置，對著兩堆草堆練習，這點滿有科學實驗的精神。莫內為了《草地上的午餐》練習數次，其中僅剩殘片的同名作品被收藏於奧塞美術館。展場很貼心的指出兩幅不同之處，有點大家來找碴的感覺，有趣。
我在畫圖時不喜歡畫同一主題或是相同構圖，總認為煩悶而心生抗拒，可是看完此展後，對莫內不厭其煩的反覆練習感到佩服。應該要跟大師看齊，抱持開放心情，將每次作畫視為新的學習機會。學著調整自己的心態，算是從這次展覽中最大的收穫了。
